Con questa ‘Ave Maria’, ho intessuto una trama sonora di speranza, elevando una supplica accorata attraverso il dialogo tra soprano, coro e orchestra. In un mondo dove le coscienze sembrano assopite, questa “supplica” potrebbe apparire come un flebile sussurro, ma non importa: anche se in minima parte, mi auguro possa “pungolare” qualche anima, persino in una società frammentata e individualista come la nostra.

Questa composizione, nata quattro anni fa, si è via via trasformata in un cantico alla speranza per le vittime delle ingiustizie perpetrate da coloro che si ergono a “padroni” del mondo. Attraverso la musica, prego affinchè gli oppressi possano finalmente conoscere la gioia, superando le sofferenze ingiustamente inflitte da noi “peccatori“.

Negli ultimi due anni, mentre davo vita a questa “Ave Maria”, ho orientato il mio moto verso la tragica situazione in Palestina, un conflitto che continua a mietere vittime innocenti nell’indifferenza più o meno generale.

Le parole “Ora pro nobis…” risuonano come una implorazione universale, amplificando – attraverso la musica – il dolore e la speranza di chi soffre in silenzio.

Mentre perfezionavo gli ultimi dettagli corali, un reportage da Gaza, all’improvviso ha dato un volto visivo alla mia musica: si tratta di Plestia Alaqad, giovane giornalista palestinese. I suoi occhi, malinconici ma colmi d’amore, incarnavano la grazia e la forza umana che la mia musica cerca d’esprimere. In suo onore, ho voluto rendere un piccolo tributo extra-musicale a questo splendido essere umano, facendo sì che la Maria raffigurata sulla copertina della composizione pubblicata somigliasse proprio a Plestia.

Architettura sonora: Ave Maria per Soprano, Coro e Orchestra

L’Ave Maria si apre con gli archi divisi in due sezioni: VniI e VniII sono divisi . I divisi “A” eseguono un pizzicato, mentre i divisi “B” eseguono un jeté-louré (sfz), generando un effetto percussivo e intonato al contempo.

Nella partitura originale, viole e violoncelli divisi sono chiamati a eseguire uno sforzando ma “col legno battuto“. Tuttavia, questa tecnica prevista per la sezione medio-bassa non ha trovato spazio nella registrazione finale, modificando il colore orchestrale da me immaginato.

Questo effetto percussivo-melodico negli archi è stato concepito per evocare un senso di inquietudine, preparando il terreno per l’ingresso del coro femminile, che subito dopo dipinge un’atmosfera eterea e decisa.

In questo paesaggio sonoro emerge la voce della soprano solista. Le parole “Ave Maria” vengono intonate con un vocalizzo esteso e non convenzionale. In particolare, il vocalizzo sulla “i” di “Marìa” rimane invariato (tenuto) anche quando l’armonia muta, creando l’impressione di una preghiera che trascende tutto e tutti.

Anche il finale si discosta dalle convenzioni. Solitamente, in composizioni di questo genere, la parola “Amen” è integrata in un contesto musicale liberatorio, aperto, conclusivo. Qui, invece, l'”Amen” risuona più come un’espressione di dolore che di accettazione, sottolineando l’intenzione emotiva dell’opera.

L’essenza e l’aspirazione di questa “musica programmatica”

Questa Ave Maria rappresenta per me un’intima invocazione, un anelito verso un futuro in cui i bambini possano correre liberi e vivere senza ombre di paura, avvolti in un abbraccio di speranza tangibile e universale.

Di questi tempi, in un’epoca in cui la musica spesso si riduce a mero intrattenimento e gli ascoltatori vengono declassati a semplici “fruitori“, questa Ave Maria si propone come un ponte artigianale, intessuto tra il sacro e il profano, tra la tradizione secolare e l‘urgenza palpitante del presente.

Vi abbraccio con tutto il cuore, con la speranza che queste note possano toccare le vostre anime con la stessa intensità con cui hanno pervaso la mia durante il processo creativo, accrescendo in voi quella scintilla di umanità che ci accomuna tutti.

G.

“Enzo Tortora : L’innocenza dietro le sbarre” alias “Innocence Behind Bars: Enzo Tortora” è un breve brano orchestrale in Do minore che ho scritto seguendo i canoni della musica cinematografica. La composizione accompagna due momenti visivi fondamentali che incarnano il cuore tematico dell’opera: un tributo musicale alla nobiltà d’animo di Enzo Tortora.

Chi era Enzo Tortora

Il 17 giugno 1983, alle 4 del mattino, Enzo Tortora viene strappato dal sonno e dalla sua vita. Un uomo onesto, sempre gentile, un volto amato dalla TV, si ritrova improvvisamente marchiato come criminale. Le accuse? Traffico di stupefacenti e associazione camorristica. Parole che pesano come macigni, che distruggono una reputazione costruita in un’esistenza di esemplare onestà.

Immagina il terrore, lo smarrimento di quest’uomo innocente, trascinato via nel cuore della notte. Le immagini indelebili (anche oggi, su internet) della “sfilata in manette”, organizzata appositamente per i telegiornali; Enzo Tortora con lo sguardo frastornato emblematico di chi si trova in mezzo ad un incubo surreale, lo espone a una gogna mediatica senza precedenti. In Italia non si era mai arrivati tanto in basso.

È l’inizio di un calvario che durerà anni, 67 udienze di un processo farsa che si concluderà con una condanna a 10 anni di reclusione.
Ma Tortora, nonostante tutto, rimane un esempio di dignità. Durante quell’incubo, mentre altri si aggrapperebbero all’immunità parlamentare, lui rinuncia al suo seggio europeo, si dimette, e affronta gli arresti domiciliari a testa alta. 

La sua integrità brilla in un mondo di opportunisti e vigliacchi. Il trauma di quell’arresto notturno, l’isolamento sociale, l’umiliazione pubblica, lo stress cronico di anni di processo: tutto questo scava nell’anima di Tortora.  Lo vediamo consumarsi giorno dopo giorno, spegnersi lentamente. Il suo corpo, martoriato dallo stress, inizia a cedere. Il sistema immunitario si indebolisce, gli ormoni impazziscono, l’infiammazione cronica divora le sue difese.
Finalmente, il 15 settembre 1986, arriva l’assoluzione con formula piena. Ma è troppo tardi. Il danno è fatto. Tortora, l’uomo che abbiamo visto sorridere in TV per anni, ora è solo l’ombra di se stesso. Il cancro, cagionato e alimentato da anni di sofferenza psicologica, lo ucciderà poco dopo.

Questa è la storia di un uomo distrutto da un sistema che avrebbe dovuto proteggerlo. Di colleghi che lo hanno abbandonato, di una giustizia che ha fallito, di un’Italia che ha guardato e non ha fatto nulla. 
È la storia di come lo stress cronico, la depressione, la perdita di fiducia nelle istituzioni possano letteralmente uccidere un uomo.

Enzo Tortora è morto due volte: la prima, il giorno del suo arresto, la seconda quando il suo corpo, stremato da anni di ingiustizia, ha ceduto.

La storia di Enzo Tortora è un monito, un grido d’allarme che risuona ancora oggi. Ecco chi era Enzo Tortora ed ecco perché sentito di scrivere questa musica.

Introduzione: Leggera Tensione Malinconica

L’apertura del brano è caratterizzata da un ostinato ritmico negli archi, staccato, ho composto un tessuto sonoro pulsante e incisivo, ma non opprimente.

Ho mantenuto la gamma dinamica dell’ensemble tra “mp” e “mf“, consentendo a questo schema ritmico di fungere da fondamento strutturale per l’intera fase iniziale, stabilendo una tensione di fondo essenziale per l’atmosfera sonora, tipica della musica da film italiana all’epoca di quel triste evento che distrusse un uomo perbene.

Melodia e Contrasto Timbrico

La linea melodica principale (00:50) è semplice , affidata alla mano destra del pianista; una variazione timbrico-melodica nel contesto strumentale che precedentemente era affidato unicamente all’ostinato degli archi.

Contemporaneamente all’ingresso del pianoforte, ho introdotto due idiofoni e un piccolo strumento a percussione intonato per arricchire lo spettro timbrico. In questo modo ottengo una sonorità più ‘cristallina‘ e definita rispetto a ciò che sarebbe risultato con la sola esecuzione melodica del pianoforte. Questa giustapposizione di timbri crea un contrasto tra la ‘linearità’ del pianoforte e la punteggiatura ritmica delle percussioni.

Sviluppo Tematico e Orchestrazione

Per lo sviluppo tematico (01:04), ho scritto in modo tale che gli archi assumano un ruolo di primo piano, adesso supportati da una sezione di ottoni ridotta al limite della percezione sonora. Ho proseguito con l’uso dello staccato e del raddoppio nonostante la diversa strumentazione rispetto all’introduzione.

La batteria, in questa fase, mantiene un registro dinamico contenuto; fornisce un supporto ritmico essenziale senza sopraffare la trama orchestrale. Questa tecnica, spesso impiegata nella musica per film, serve principalmente a mantenere la chiarezza della narrazione sonora anche in caso di cambio d’organico.

Transizione Lirica

Ho poi introdotto una breve transizione lirica (02:03), assegnando una variazione tematica al violoncello e alla viola solista. (il “primo piano” sonoro in questo caso è ottenuto durante la fase di mixaggio e post-produzione audio). Questo passaggio funge da ponte per la sezione successiva e va ad anticipare lo “stop” nello stile pop-classico.

Climax in Sincrono con la Narrazione Visiva

Il climax della composizione (02:30) si allinea con le tecniche narrative della musica cinematografica. Il ‘sincrono‘ coincide con l’immagine di Tortora che, rinchiuso nella sua cella, protende le braccia oltre le sbarre della finestra.

Questo momento necessitava di un drastico cambiamento stilistico: l’introduzione del basso elettrico e il risalto della batteria creano un’apertura sonora improvvisa, riflettendo il gesto spontaneo e altruista di Tortora in una situazione paradossale. Attraverso quel gesto Tortora “abbraccia” simbolicamente, oltrepassando le sbarre della finestra, un capanello di persone che si sono radunate li sotto per solidarietà e lo incitano a non mollare.

Questa “transizione sonora” non solo segna un punto di svolta nella struttura musicale, ma amplifica anche l’impatto emotivo della scena, enfatizzando il messaggio visivo di speranza e libertà.

Armonia e Orchestrazione Essenziale

In questa parte del brano (02:58), gli archi adottano uno stile di scrittura più sostenuto, con note lunghe, e vanno a creare una struttura armonica con raddoppi di ottoni e legni.

Questa tecnica di orchestrazione mi ocorreva per enfatizzare il tema principale, conferendogli maggiore risalto per il risultato sonoro da ottenere nel suo complesso.

Sviluppo Finale e “Struttura Circolare”

Nella sezione conclusiva, l’ostinato d’archi riappare con una rinnovata configurazione ritmica. La melodia principale, ora affidata a due solisti della sezione ottoni, genera un nuovo colore timbrico che si intreccia armoniosamente con il contrappunto degli archi.
Il brano si chiude con un ritorno ciclico al materiale tematico iniziale: il pianoforte riprende la linea melodica principale, sostenuto dagli archi con note tenute.
Questa struttura circolare conferisce alla composizione coesione formale e completezza, riflettendo la ciclicità dell’esperienza umana rappresentata nelle immagini. Tale approccio, caratteristico della musica cinematografica più nota, crea un’esperienza sonora che arricchisce e completa la narrazione visiva.

Post-produzione Analogica

La mia musica beneficia di una post-produzione analogica che le conferisce un carattere unico. Cerco sempre un risultato timbrico che richiami le sonorità della musica da film italiana ed europea, preferendo un suono caldo e organico alle perfezioni talvolta sterili del digitale. Questo approccio, frutto di anni di ricerca e sperimentazione, mi permette di creare una ‘firma sonora’ distintiva, in linea con la mia visione artistica e le mie radici musicali.