Filmmusik: Die Musik hat sich seit 2020 verändert

„Filmmusik“ ist ein fundamentales Element in der Welt des Kinos, des Theaters und moderner Medienformen wie Fernsehserien, Filmen und Kurzfilmen. Diese Musikart hat das Potenzial, das emotionale Erlebnis des Publikums erheblich zu beeinflussen. Sie fungiert nicht lediglich als „Klangbegleitung“, sondern stellt einen essenziellen narrativen Bestandteil dar, der durch präzise Kompositionstechniken gestaltet wurde. Diese Techniken bereichern die Handlung sowie die Charaktere und untermalen sie subtil mit Klang. Es ist kein Zufall, dass die renommiertesten Soundtrack-Komponisten einen wesentlichen Teil ihrer musikalischen Laufbahn der Erforschung der Wirkung angewandter Musik gewidmet haben.

Die Definition von Filmmusik

Ich betrachte „Filmmusik“ als eine Kunstform, die unabhängig von den Bildern, mit denen sie verbunden ist, autonom existieren können sollte. Damit meine ich, dass ein Soundtrack eine eigene Identität haben muss, Emotionen wecken und Geschichten erzählen kann. Darüber hinaus muss sie kompositorisch gültig und wertvoll sein, auch ohne die visuelle Unterstützung, für die sie geschrieben wurde. Diese Art von Musik sollte daher mit dem Verständnis geschrieben werden, dass sie unabhängig angehört werden kann und dem Zuhörer ein zufriedenstellendes Musikerlebnis bietet.

Die Bedeutung der Komponistenausbildung

Ich halte es für vorrangig und äußerst wichtig, dass „Filmmusik“-Komponisten musikalisch vorbereitet und ausgebildet werden. Es reicht nicht aus, nur Talent zu haben; solide theoretische und praktische Kenntnisse der Musik sind unerlässlich.
Musiker, die „Filmmusik“ schreiben möchten, müssen die Orchestertechniken, musikalischen Strukturen und emotionalen Dynamiken studieren und verstehen, die das filmische Geschichtenerzählen beeinflussen können. Darüber hinaus müssen diese Musiker in der Lage sein, sich an verschiedene Genres und Musikstile anzupassen, um den spezifischen Anforderungen jedes Projekts gerecht zu werden.

Der Unterschied zwischen professionellen und Amateurkomponisten

Die großen Meister der Filmmusik kritisieren die heutige Filmindustrie oft mit dem Hinweis, dass viele Produktionen den Soundtrack „Amateuren“ anvertrauen.
Dieser Begriff, der keine abwertende Konnotation hat, bezieht sich auf Komponisten oder angehende Komponisten, denen es trotz ihres Zugangs zu digitalen Werkzeugen und Technologien an der nötigen Ausbildung und Erfahrung mangelt, um strukturell gültige und qualitativ hochwertige Musik zu schaffen.

Bis vor einem Jahrzehnt schien die Überlegung, Geld auf Kosten der musikalischen Qualität zu sparen, bei manchen Produktionen zu funktionieren. Damals verlangten professionelle Komponisten hohe Honorare für Aufnahmen mit Orchester, was dazu führte, dass die Produktionskosten in einer der letzten Phasen des kreativen Prozesses in die Höhe schossen. Infolgedessen verließen sich die Produzenten auf „Amateure“, die versuchten, klassische Stile mit einer DAW und einigen digitalen Workstations nachzubilden, was oft zu dilettantischen Ergebnissen führte.

Beim Hören der Werke dieser Musiker fällt eine deutliche Wiederholung in Rhythmen und Notation auf: „Zum! zuzu Zum!, zuzu Zum!“, bis zur Verärgerung. Die Harmonien bleiben immer gleich; darüber hinaus verlassen sie sich ohne solide theoretische Vorbereitung auf das, was ihre Hände instinktiv auf der Tastatur erzeugen können. Und dies führt unweigerlich zu einer „Aufführung vorhersehbarer Musik“, weil sie instinktiv und ohne jegliches Bewusstsein produziert wird, weder harmonisch noch kontrapunktisch.

Dies geschieht nicht nur in den „vorhersehbaren Rhythmen“, die uns seit mehreren Jahrzehnten in der als „Epic“ bezeichneten Musik begegnen („Zum! zumzum Zum!“ wird 10 Minuten lang in einer Schleife gespielt), sondern auch in den Versuchen, eher „kontemplative“ oder ruhigere Musik zu präsentieren.

Ich beziehe mich auf jene Musik, die sich – ebenfalls seit mehreren Jahrzehnten – unbeholfen „neoklassische Musik“ nennt (die großen Meisterkomponisten des wahren Neoklassizismus des 20. Jahrhunderts drehen sich wahrscheinlich im Grab um wegen dieser unangemessenen Aneignung eines ernsthaften und würdevollen Musikstils) oder die manche sogar als „minimalistisch“ bezeichnen.

In Wirklichkeit bieten diese Kompositionen nicht mehr als ein Karussell aus langen Noten, die sich mit kurzen melodischen Phrasen abwechseln, die auf dem Klavier gespielt werden (immer die gleiche Gruppe von 3 oder 4 Noten, die nacheinander gespielt werden), alles begleitet von redundanten harmonischen Grundlagen, die oft überladen sind mit Soundeffekten.

Hurra!! Die Musik hat sich verändert!

Heute ist es wirklich an der Zeit zu sagen, dass sich „die Musik endlich verändert hat“: Auch Profis haben endlich damit begonnen, Werkzeuge zu nutzen, die bis vor Kurzem das ausschließliche Vorrecht von Amateuren zu sein schienen. In den letzten zwei Jahrzehnten hat die Filmmusik eine Zeit des Wandels durchlaufen:
Professionelle Komponisten verließen sich in erster Linie auf handgeschriebene Partituren und benötigten für die Aufnahme teure Orchester, was die Produktionskosten erhöhte. Im Gegensatz dazu erstellten Amateure mithilfe von Synthesizern, DAWs und VST-Plugins schnell mittelmäßige Musikstücke.

Heutzutage kann ein professioneller Komponist zu den gleichen Kosten wie ein Amateurmusiker hochwertige Musik produzieren. In meinem speziellen Fall sogar noch weniger:

Ich nutze das Orchester und die Genauigkeit meiner akademischen Ausbildung, um Werke zu schaffen, die von Orchestermusik bis hin zu „Deep House“-Tanzstücken reichen.

Und so? Was bedeutet das jetzt? Wie hoch sind die Kosten für die Produktion von Orchestermusik, die von einem Fachmann geschrieben wurde, der 30 Jahre lang ernsthaft und akademisch Musik studiert hat? Ist es wirklich so, dass man nicht mehr die hohen Beträge der Vergangenheit zahlen muss?
Wenn ich einen Auftrag erhalte, frage ich immer:

„Wie viel hat Ihnen dieser Amateurmusiker für das Schreiben und Produzieren der Filmmusik berechnet?“ Nachdem ich die Antwort gehört habe, sage ich:
„Sehr gut, ich verlange 1 Euro weniger.“

Das ist heute die Realität der Filmmusik: Endlich ist es möglich, einen qualitativ hochwertigen Soundtrack zu bekommen, ohne die exorbitanten Kosten zu tragen, die noch bis vor wenigen Jahren notwendig waren.

Kreativität und kompositorisch-technische Kompetenz in der Filmmusik

Angewandte Musik erfordert nicht nur Kreativität, sondern auch technisches Fachwissen und einen tiefen Respekt vor der Kunst, die zunächst gründlich verstanden und dann weiterentwickelt oder variiert werden muss.

Ein weiterer grundlegender Aspekt der „Filmmusik“ ist ihre erzählerische Rolle.
Musik soll synergetisch mit Bildern interagieren, Emotionen steigern und den Betrachter durch die Handlung führen. Jede Note sollte als integraler Bestandteil der visuellen Geschichte betrachtet werden und dazu beitragen, Spannung, Dramatik oder Leichtigkeit aufzubauen, je nach den Bedürfnissen des Films, der individuellen Synchronizität und dem historischen Kontext.

Ich folge den Ideen der größten Komponisten auf diesem Gebiet und glaube, dass Komponisten Werke schaffen sollten, die unabhängig vom visuellen Kontext auf eigenen Beinen stehen können. Nur so kann Musik das Kinoerlebnis wirklich bereichern und einen bleibenden Eindruck in den Herzen und Köpfen der Zuschauer hinterlassen.